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Reseña de la obra de Rhonda Byrne, «The Secret» (El Secreto)

BREVE OPINION PERSONAL

Este libro es y ha sido un elemento fetiche en un momento muy especial en mi vida de cambio y transformación, espiritual, de crecimiento, de aceptación, en múltiples sentidos, también desde el pragmatismo y la practicidad plasmada en hechos ejemplificantes que denotan la justeza en los principios de la búsqueda en el camino. Me explico. La novela es el principio de un camino perenne, caracteriologizante, ideologizante, aspirante a la mejoría, redentor y un acto de contrición conmigo misma que necesitaba asumir de una especie de guía. Eso es lo primordial desde el punto de vista personal. Doy gracias por haber encontrado este libro. Agradecer es una premisa básica importante dentro de los postulados orientativos y canónicos, fruto de las enseñanzas que cada cual pueda encontrar aquí.

UN PROYECTO SECULAR E HISTORICISTA MUCHO MAS ALLA DEL MARKETING NECESARIO PARA SU FOMENTO Y EL VIRTUOSISMO LITERARIO Y CINEMATOGRAFICO QUE PODEMOS ENCONTRAR EN LA MODERNIDAD ACERCA DE SU SENTIDO TRADICIONAL. UNA EXCELENTE GUIA ESPIRITUAL Y ENSEÑANTE, ASERTIVA.

La edición que tengo yo es de Ediciones Urano, del año 2007.

Autora: Rhonda Byrne. (Wikipedia): https://es.wikipedia.org/wiki/El_secreto_(libro)

Sentido y mensaje

Su sentido y mensaje se puede adscribir a lo que denominamos comúnmente como un libro de autoayuda, y sin embargo, considero que es mucho más que eso.

Baste leer el prólogo para encontrar un vértice que abre varios frentes:

-Por una parte, una búsqueda intrapersonal, metafísica y espiritualista de carácter incuestionablemente unilateral, esto es, de sentimentalismo propio, consustancial.

-En segundo lugar, una guía especial y expeditiva, con normas y reglas precisas que te ubican en un vademecum de enseñanzas y resultados prolijos basados en las enseñanzas de grandes maestros, del mismo Universo, dios o el ascetismo más místico al que uno pueda aspirar. Se nombran a estos grandes hombres y mujeres, de manera atemporal, anacrónica, desde tiempos ancestrales hasta la actualidad.

-También se puede interpretar como una experiencia unipersonal literaria y cinematográfica de interés que adelanta una riquísima revelación desde el punto de vista experiencial y vital, a modo de vida, vívida plasmación o reflejo de un secreto filosófico custodiado a partir de innumerables planos de existencia, tanto meditativos como cotidianos. Se trata de aportar una visión universal al mundo como camino vehicular colectivo a través tanto de una película como de un libro directamente vinculados en género y en pensamiento.

Tal y como especifica su autora en el prólogo: «Mi intención al crear El Secreto era -y es- aportar felicidad a millones de personas en todo el mundo. El equipo de El Secreto experimenta el fruto de esa intención todos los días, puesto que recibimos miles y miles de cartas de personas del mundo entero de todas las edades, razas y nacionalidades expresando gratitud por la dicha que les ha aportado El Secreto.»

Nos encontramos con un gran y espléndido equipo de gente variopinta, ligada a la formación, la externalización de enseñanzas, la ayuda profesional, la colaboración corporativa e integradora, etc, que, a su vez, ha supuesto EN ELLOS un seguimiento en un viaje crucial de autodescubrimiento para cada uno de los colaboradores. Tal y como se nos señala en la contraportada por la propia autora «En el transcurso del mismo ha logrado reunir a un fenomenal equipo de escritores, ministros de la Iglesia, productores de cine, diseñadores y editores para que El Secreto viera la luz y para que su visión transmitiera felicidad a millones de personas».

Por otro lado, tampoco es mi intención reseñar exhaustivamente el contenido maravilloso y utilísimo de un manual o novela sistémica que considero que es tanto o más coadyuvante per se considerando la lectura o visionado directo de dicho libro y/o del film que a modo reforzatorio se realizó poco después ya que todo su perfil orientativo es de fácil acceso intelectual desde su sello original, si bien, también existen explicaciones y reseñas muy buenas y de gran calidad, información veraz acerca de El Secreto a través de fuentes fidedignas y fiables.

Tan solo reseñar más específicamente que se tratan leyes espirituales basadas en el Karma, como la ley de la atracción, lo semejante atrae a lo semejante, por ejemplo, mencionado como una idea basal que fundamenta gran parte del sentido objetivo y subjetivo del libro y su significación, así como otros temas y subtemas tales como: el perdón, el agradecimiento a dios, al universo o a la Fuente respecto de las oportunidades y dones que la vida nos ofrece desde el misticismo, la filosofía cuántica, la moralidad, el sentido positivo de existencia, lo bueno que hay en todos los asuntos importantes y sencillos, cómo enfocarse en lo bueno, para atraer lo bueno o vibrar en la frecuencia similar, etc. Las creencias son importantes en tanto en cuanto estén enfocadas en la limpieza de los pensamientos e ideas y desenfocadas de la enfermedad, ya que si se le otorga poca atención a lo malo o a la enfermedad se contrarresta la mala energía. Por contra, hay una enseñanza interesantísima, es decir, enfocarse en que los bienes son abundantes, rechazar u obviar la escasez y la negatividad. Alabar y bendecir los dones y bienes positivos, la bondad, el amor, el cariño, es un emulgente para sintonizar en la frecuencia que te ayude a crecer como persona.

ESTRUCTURA DEL LIBRO. LA SENCILLEZ HECHA PALABRA ESCRITA.

-Prólogo.

-Agradecimientos a todos cuantos han colaborado de alguna u otra formas en este amplio proyecto.

-Enseñanzas guiadas de diversos maestros y un resumen simplificado al final de cada capítulo a modo de síntesis recordatoria.

-Las enseñanzas fundamentales están enfocadas de forma vinculante, al dinero, a las relaciones, a la salud, al mundo, a uno mismo, a la vida.

-Por último, al final de la obra se integran las biografías de los diversos colaboradores y maestros contemporaneos y coetáneos de Rhonda Byrne, coautores también de El Secreto en cuanto a perfilar su sentido vocacional y espiritual, fomentando la asertividad y la empatía en todo momento.

Quien quiera adquirir mayor información existe una gran rigurosidad orientativa en Internet que hace mención directa, si se prefiere, a las bondades y al buen entendimiento cognitivo, espiritual y psicológico respecto de lo que en sí mismo representa El Secreto.

Gracias a todos por leerme.

reseña de la pelicula la mision

La ficha técnica está extraída de la web de crítica cinematográfica FilmAffinity. Aquí os dejo el enlace: https://www.filmaffinity.com/es/film791884.html

FICHA TECNICA:

TITULO: La Misión/ The Mission

AÑO: 1986

DURACION: 125 minutos

PAIS: Reino Unido

DIRECCION: Roland Joffé

GUION: Robert Bolt

MUSICA: Ennio Morricone

FOTOGRAFIA: Chris Menges

REPARTO: Robert de Niro, Jeremy Irons, Ray McAnally, Aidan Quinn, Cherie Lunghi, Ronald Pickup, Liam Neeson, Chuck Low, Rolf Gray, Bercelio Moya, Daniel Berrigan

PRODUCTORA: Warner Bros. Productor: David Puttnam

GENERO: Drama histórico

SINOPSIS:

Nos encontramos en la época colonial, durante el siglo XVIII (En España, la Ilustración, articulada en el terreno del pensamiento y las artes; politicamente, se constituye el Tratado de Madrid de 1750), en medio de un conflicto que mezcla varios temas y donde el Vaticano participa al igual que el fenómeno histórico de la colonización; y de la esclavitud en las colonias cuyo protectorado era de Portugal. Donde se intentaban trazar los límites geoestratégicos entre España y Portugal.

La ubicación geográfica se sitúa en Hispanoamérica, en concreto, la pelicula está rodada en las Cataratas de Iguazó, en Argentina, y también en Colombia.

El conflicto político que se dirime hace referencia, dentro del llamado Tratado de Madrid, de 1750, entre España y Portugal, a la disputa de la colonia del Sacramento, ubicada en la desembocadura del Río de la Plata. El papel fundamental en el que se fundamenta todo el hilo conductor, lo desempeñan los guaraníes, que vivian en la selva, en un terreno en lo alto y escarpado, problemática que circunscribe la principal causa de la contradicción religiosa respecto al papa y a la Compañía de Jesús -por la que se regía la doctrina en aquel momento, considerando al papa más como un estadista que como un representante de Dios-. Junto al hecho de que los Jesuítas eran considerados un entramado con orientación independiente respecto a la Iglesia tradicional feudal, capaces de desplegar una enorme influencia y un peso notable, fruto de la labor de misionado. Precisamente, eran los encargados de relevar a un misionero jesuíta que había muerto sacrificado en las aguas de las cataratas en la misión de llevar el evangelio a los indígenas. Estos mismos religiosos negaban en crítica frontal la esclavitud por considerarla contraria a la teología misma y a los postulados que ellos defendían.

Por no desgranar más el argumento y con el objetivo de introducir los menos spoilers posibles, pasaremos ya directamente a lo que es la propia reseña personal.

RESEÑA:

PERSONAJES/CONTEXTO HISTORICO, POLITICO Y SOCIAL:

Se puede decir que son dos los principales personajes, alma mater, de la película, junto al pueblo indígena guaraníe en homogeneidad, más luego, actores secundarios y otro corales que dan consistencia al guión interpretativo.

El capitán Rodríguez Mendoza (Robert de Niro), : esclavista, mercenario y asesino de su propio hermano al ser éste retado por aquél. Estaban enamorados de la misma mujer. Se arrepiente de sus crímenes y logra integrarse plenamente en la compañía de Jesús.

El padre Gabriel (Jeremy Irons), presupone representar bastante fidedignamente el perfil que obran los Jesuitas bajo unos principios férreos e inamovibles. A su vez, resulta ser la antítesis de Rodrigo en algunos aspectos del carácter aun cuando éste esté bajo la supervisión y el control del padre, rector y director de la misión que pretenden llevar a cabo de evangelización y que logran tras una estrategia bien cumplimentada por parte del padre Angel, esto es, a través de la expresión de la música y las artes que les son transmitidas a los guaraníes para aligerar su desconfianza, en un principio. Por ello es capaz de irrumpir solo en la selva con la única compañía de un oboe, haciendo creer a los indígenas que el instrumento impregna magia y, consecuentemente ganándose su respeto y confianza.

Pronto la Misión es explotada en la forma de cooperativa con participación beneficiaria igualitaria tanto por parte de los jesuítas como por parte de los nativos. Se construye una enorme iglesia y representantes de la Iglesia española acuden allí, así como algunos altos cargos del Estado. Como el ex socio de Rodrigo. El tema de la esclavitud, es entonces, cuando cobra protagonismo, así como el hecho de cómo debían de repatirse el poder del Estado, y la parte que le corresponde a la Iglesia y al vaticano.

Recordemos que tras la llamada expropiación originaria, se produce una etapa transicional desde la que existen rasgos todavía feudales en mezcolanza con un incipiente y nuevo modo de producción, el capitalismo, surgido dentro de la vieja Europa, monárquica y ahora y en dicho contexto, absolutista.

Aunque existe un amplio reparto, considero que estos dos personajes son fundamentales en un sesgo del argumento que tiene gran valor para entender la película, aunque sea en determinados aspectos nodulares. En primer lugar, porque representan dos actitudes ante la vida, y dos formas de entender la lucha encarnizada, a sangre viva, que se producirá inevitablemente. Frente a este hecho, los dos roles ejercidos son la antítesis el uno del otro y a su vez, logran empatizar con el público de tal forma que gran parte de la película se encuentra monopolizada por dos figuras que empatizan con los espectadores y ellos entre ellos dos. Esto produce una emoción que incluso alcanza el paroxismo en algunos momentos escénicos de la película y que, a su vez, son de una belleza profunda y extrema.

La secuencia en la que Rodrigo se redime de sus pecados es sencillamente magistral, porque se rige por un proceso alargado en varios días o semanas en las que nos recuerda al mito de Sísifo. Pues la purga consiste en llevar un gran fardo sobre sus espaldas. Vigilado en todo momento por el padre Gabriel, dos compañeros más de la orden, y algunos indígenas, incluyendo a un niño que destaca por encima de los demás por afinidad con el mismo Rodrigo, pues ambos se harán grandes amigos.

He leído algunas críticas de algunos medios oficiales y no me considero en correspondencia con lo dicho. A mí me parece una excelente y cuidada película, no solo en lo que atañe a aspectos técnicos y visuales, pues la visualidad es un arma poderosa que llama mucho la atención, procediendo el director, muy inteligentemente a dejarnos llevar por el espectáculo de la naturaleza en toda su dimensión. Pero no solo eso, sino que la película, para mí tiene una enorme consistencia y coherencia, tanto por el trabajo actoral, impresionante, como por los hechos históricos referidos, aunque se centre más en las relaciones dialécticas que se producen entre los indígenas y los misioneros, basado en el amor fraternal y un trato casi de igual a igual. No por el hecho de convertirse al catolicismo dejan de lado sus particulares cultos sincréticos.

La visita del nuncio hará cuestionar la misión y todo su emporio natural y consuetudinario, a la vez que ligado a estricta labor pastoral. Y al trabajo sencillo en comunidad, objetivos de evagelización que chocan frontalmente con la propia iglesia y el Vaticano y el Estado. En un principio, parece dudar de sus propios actos y pensamientos y nos inculca la duda a la hora de tomar una decisión vital para el futuro del pueblo guaraní, sin embargo, ocurre lo que era de esperar y se desata una guerra encarnizada, no solo por la lucha por la autogestión sino por la propia autoexistencia de los guaraníes y de los misioneros protectores.

Junto al dramático desenlace se sabe que, con posterioridad, la Compañía de Jesús fue expulsada de todo derecho de propiedad de la constituida ya Monarquía Hispánica, allá por el año 1767, segun mi documentación. Lo cual, era un indicador de los intereses que se cernían en cuanto al culto religioso ligado al propio Estado nada desligado en una etapa feudal tardía, más pronto unida a un capitalismo que se estaba gestando pero donde todavía quedaban restos del clasismo y del orden estamental viejo de la Edad Media anterior. No voy a dirimir mucho más acerca del tema político y religioso como superestructura, porque no es el tema que ocupa el post, pero sí quería resaltar una serie de cosas al respecto, que pueden explicar ciertos comportamientos para quien piense ver la peli. Muy a grosso modo.

Gracias por leer la reseña.

Reseña de la película zombies party

Es una película considerada de culto que emplea la parodia y la sátira muy inteligentemente y con un guión bueno y unos personajes muy bien perfilados. Pretende acercarse en algunos aspectos al estilo de George Romero. Para pasar un rato divertido y desconectar.

RESEÑA: SURVIVAL OF THE DEAD (LA RESISTENCIA DE LOS MUERTOS), DE JORGE A. ROMERO (2009)

Recomiendo que en primer lugar veáis la película, para evitaros leer los temidos spoilers y que considero, por otra parte, muy necesarios de introducir para el análisis

Aquí os la dejo:

PREAMBULO

Para situarnos cronológicamente, este filme atípico y con aspectos novedosos respecto del subgénero y, en particular, en lo que se refiere a la saga del propio Romero, es el que se estrena en tercer lugar después de 2005, dentro de sus trilogías. y es una coproducción entre EEUU y Canadá, que data de 2009.

No voy a entrar a detallar la cronología de su filmografía zombiana. Si bien, por comparación ineludible, haré mención particular de alguna obra considerada maestra en relación a la primera etapa del mundo zombiano cinematográficamente hablando y que se corresponde con películas icono que rodó entre 1968 y 1985, abarcando las tres primeras, etapa de la cual, él es el considerado como padre casi exclusivo y motor de su desarrollo en la pantalla. Recordemos que ya existen títulos que datan de las décadas 30, 40 y 50 en EEUU pero que, como divergencia originaria, trataban en concreto de los llamados zombies haitianos o, lo que es lo mismo, inclusivos dentro de la primera generación, muy distintos. Romero abre otra configuración superestructural, que más tarde también sufrirá cambios sinérgicos en su evolución para pasar a enaltecer la figura del llamado zombi de nuevo tipo, implicada transfiguración perteneciente a trabajos que van de los noventa a las posteriores décadas, hasta hoy: corren, son mucho más feroces, proceden, por lo general, de agentes víricos o mutaciones biológicas, tienen más fuerza bruta, y en algunas ocasiones, resultan mucho más inteligentes y perspicaces, aunque sus reacciones sean meramente instintivas o estén fuera de la caracterizada conciencia humana.

CRITICAS NEGATIVAS POR PARTE DE OTROS MEDIOS

No estaría de acuerdo en señalar que es una de sus peores películas o de las más flojas, como afirman la mayoría de críticos profesionales, o bastantes de sus webs, críticas negativas también interpuestas por otros blogs temáticos dedicados al cine.

En realidad y a grosso modo, su percepción y visionado, en múltiples aspectos, es a contracorriente de sus filmes iniciales o, bien, tira de recursos inéditos en su propio contexto zombiano, hasta el 2000 y pico y también deficitarios a día de hoy, inexpugnables en otras películas que no reparan en mitificar si no es a base de clichés y estereotipos, aunque algunas de ellas resulten ser muy buenas o estén bien consideradas por la crítica. Porque, debido a los climas de opinión de un porcentaje de espectadores y expertos, se mantiene la posición de que es una película aburrida, tendenciosa, o más de lo mismo. Incluso se llega a decir que todo es igual de previsible o que tiene una pésima calidad, así como un guión que raya en la confusión o es burdo. No estoy de acuerdo, así que voy a daros mi personal visión y punto de vista enmarcado fundamentalmente en un criterio que intenta ser materialista y objetivo y que se asume al profundizar en detalles que no son del todo perceptibles, si se considera un análisis plano o unilateral. He visto muchos aspectos dialécticos y antagónicos que merecen la pena de ser explicados. Y a ello me comprometo en esta peculiar, llamémosla así, reseña cinematográfica.

RESEÑA

FICHA TECNICA

AÑO: 2009

PAIS: Estados Unidos-Canadá

DIRECTOR: George A. Romero

GUION: George A. Romero

REPARTO: Alan Van Sprang, Kenneth Welsh, Kathleen Munroe, Athena Karkanis, Joris Jarsky, Devon Bostick

GENERO: Zombis, terror, Gore

SINOPSIS

En una isla ubicada en la costa de Norteamérica conviven dos familias, dos sagas enfrentadas. El motivo: tras descubrir que los muertos resucitan y comienzan a andar y a comerse a los vivos, empieza una lucha a vida o muerte entre los que quedan, que consiste en apoyar a la familia con mayor rango, en defensa de no matar a los muertos vivientes para honrar su memoria o, por el contrario, suscribir el modus operandi del otro clan, acabando con la amenaza. A su vez, llegan a la isla un grupo de resistentes que ayudarán a los detractores de la familia que encabeza la lucha por el poder, a cambio de salvar sus propias vidas.

AMBIENTACION Y ESCENARIO CENTRAL

La acción y las principales escenificaciones se desarrollan en prácticamente un mismo lugar, la isla de Plum, cerca de la costa de Delaware. Delaware es uno de los cincuenta Estados que conforman los Estados Unidos de América.

Según la Wikipedia;

Delaware es uno de los cincuenta estados que, junto con Washington D. C., forman los Estados Unidos de América. Su capital es Dover y su ciudad más poblada, Wilmington. Está ubicado en la regiónNordeste del país, división Atlántico Medio, limitando al norte con Pensilvania, al noreste con la bahía de Delaware que lo separa de Nueva Jersey, al este con el océano Atlántico y al sur con Maryland. Con 6447 km² es el segundo estado menos extenso —por delante de Rhode Island—, con 897 934 habs. en 2010, el sexto menos poblado —por delante de Dakota del SurAlaskaDakota del NorteVermont y Wyoming—, y con 139,28 hab/km², el sexto más densamente poblado, por detrás de Nueva JerseyRhode IslandConnecticutMassachusetts y Maryland. Fue el primer estado admitido en la Unión, el 7 de diciembre de 1787, como se puede leer en su bandera.

Pero, ¿y que pasa con la isla de Plum? Según la Wikipedia, y en la realidad:

La Isla Plum1​ (en inglésPlum Island) es una isla en la ciudad de Southold en el condado de Suffolk, Nueva York, en Estados Unidos. La isla está situada en la bahía de Gardiner, al este de la Punta Orient, en el extremo oriental de la costa Norte Fork de Long Island. Tiene unas 3 millas (4,8 km) de largo y 1 milla (1,6 km) de ancho en su punto más ancho. La isla es el lugar donde se ubica el Centro de Enfermedades Animales de la Isla Plum (PIADC) que fue establecido por el Departamento de Agricultura de Estados Unidos (USDA) en 1954. La isla es también el lugar donde se localiza una instalación militar estadounidense ex Fort Terry (c. 1897) , y el histórico Faro de la Isla Plum Island (c. 1827), y su reemplazo automatizado

En el filme la ubicación de la acción y las situaciones dadas no se dejan llevar en su irrupción estratégica por la arbitrariedad. Quiere decirse -aun cuando este posicionamiento pueda ser especulativo, por mi parte- que haber elegido este sitio no ha resultado ser, en modo alguno, casual desde mi punto de vista. No se explicita en la película pero he investigado acerca de él.

Según algunos medios y fuentes, la isla de Plum está rodeada de misterio e inexpugnabilidad. Resulta ser muy sencillo el hecho de poder extraer conclusiones, asumiendo previamente el conocimiento de que allí se hacen experimentos secretos, y las visitas están prohibidas. Está documentado.

Por ejemplo, El Confidencial afirma que:

Un recóndito lugar en mitad de una de las zonas más civilizadas del mundo sirve para que varias organizaciones se preparen ante posibles escenarios futuristas.

Actualmente investigan los ataques de Hackers

Las primeras especulaciones al respecto irrumpieron tras la Segunda Guerra Mundial, acerca de la probabilidad de que los científicos y expertos de EEUU estuviesen experimentando sobre proyectos que los nazis estaban ejecutando durante la guerra y que tendrían que ver, posiblemente, con pruebas nucleares, armas biológicas, e incluso experimentos genéticos.

Aquí tenéis el artículo al completo:

LA MISTERIOSA ISLA DE NUEVA YORK DONDE EL GOBIERNO HACE EXPERIMENTOS SECRETOS.

FUENTE: EL CONFINDENCIAL

https://www.elconfidencial.com/mundo/2019-05-29/isla-nueva-york-experimentos-secretos-plum-island_2040366/

No es un mero paralelismo motivador o voluntarista el que os quiero exponer ahora, está íntimamente asociado a la crítica social, así que os recuerdo que Tom Savini fue un técnico en efectos especiales, que también ha sido director y actor dentro de este mundillo, pero lo digo por una razon materialista y objetiva: fue soldado en la guerra de Vietnam. Y aunque no participó en toda la filmografía de Romero, sí ejecutó su arte y maestría «Splatter» (salpicar), un movimiento surgido en los setenta y ochenta y resurgido en los noventa, donde las vísceras y la purulencia eran las protagonistas. Sobre todo, en películas de culto romerianas como sus primeras La noche de los muertos vivientes, El amanecer de los muertos… Está directamente relacionada su forma de entender el gore junto al realismo, para Savini, a través de estos dos elementos indisolublemente unidos en su práctica profesional y muy efectistas, al mismo tiempo. De hecho, la crítica social contra el racismo y la militarización norteamericana están presentes en la obra de ambos colaboradores, representadas a veces no muy explícitamente por parte de Savini y Romero, pero bajo la expresión de puntos clave puntuales que sí se describen claramente si se saben analizar, teniendo una base material. A tenor de la práctica social histórica proveniente de las décadas sesenta y setenta, y posteriormente, vistas las luchas en la calle, donde se estaba forjando todo el movimiento antirracial y en favor de los derechos civiles. Tampoco es casual este último aspecto, como véis. Es más, Savini se enorgullece de haber participado en Vietnam, aunque solo sea como un tributo de eficacia ligado a su actividad posterior. Según sus propias declaraciones le sirvió esa experiencia para hacer más visibles, explícitas, naturales y efectivas las mordeduras de los zombis, los gestos de dolor, la expresión concentrada de recursos como hacer aflorar la sangre a borbotones, la magia de la gestualidad que impregna a todos los afectados y a los mismos infectados. No es casual, no. Y a pesar de que parece ser que no intervino en esta última película de Romero, se puede decir que. de donde hubo, algo queda. Teniendo en cuenta, además, que en 2009 ya estaba afianzada y consolidada la nueva etapa tranformadora del zombi de nuevo tipo, que se plasma magníficamente en títulos como 28 días después, 28 semanas después, Resident Evil, la saga Rec, o Guerra Mundial Z, todas ellas de notoria calidad dentro de los cambios habidos y caracterizadas por integrar plenamente y en toda su esencia a los llamados «runners» zombis, los corredores, es decir, aquellos infectados por un virus biológico cuya característica principal y diferenciadora es que son mucho más ágiles, se transforman al instante y corren como endemoniados.

En un principio, se podría determinar objetivamente, que se trata de una obra satírica, a simple vista, porque no es menos cierto. Sin embargo, es mucho más que eso. Trataré de justificarlo a lo largo de la reseña y con ejemplos concretos. Vaya, mi pretensión era no hacer Spoilers, pero yo jamás lo consigo. Así que, lo que os recomiendo siempre y, en mi caso, es que visionéis la peli en primer lugar.

Y una apreciación importante: George A. Romero no es que se dedicara a hacer más de lo mismo, como he leído por ahí en alguna web, sino que, por el contrario, Romero, AMABA A LOS ZOMBIS. Recapitulo esta afirmación extrapolando su sentido a otro ejemplo cinematográfico y literario que todo el mundo conoce a la perfección: Frankestein y su criatura. Legendario y a su vez arquetípico. Por tanto, nuestro director sí sabía en todo momento lo que hacía, Ni se le habían acabado las ideas, ni quería exprimir su objeto fetiche. En cada una de sus películas hay elementos nodulares ineludibles y necesarios «per se». Son de naturaleza consustancial, Y, a su vez, este director también experimenta, aunque no os lo creáis todavía. Al mismo tiempo y en referencia a este último trabajo, no era menos consciente de que su alter ego creativo en la pantalla estaba siendo objeto de olvido frente a los nuevos prototipos zombianos. Cosas de la industria, al mismo tiempo que de las costumbres, ideas, la propia innovación creadora puesta al servicio del negocio que, también hace desarrollar y revolucionar a las figuras icónicas y que resulta, en cierto modo, una imposición en cuanto al criterio de verdadera elección. Cosas del negocio dentro del celuloide, claro, pero intrínsecamente relacionada esta cuestión, con el hecho de que no pensamos tan solo por nosotros mismos y que nuestras ideas siempre son redirigidas si no mantenemos ciertos criterios unipersonales. De la práctica social provienen nuestras ideas y éstas están difundidas por los centros de poder, esto es, los que mandan. No podía pervivir la doble visión zombiana.

En La resistencia de los muertos, Romero cambia de contextualización localista, que suele ser, por lo general, urbana, transmutándola por el campo y el mundo rural en una isla recóndita, que convive junto a elementos bucólicos y de raigambre costumbrista; más en concreto, realiza una fusión entre el western y el terror gore. Esto ya es de por sí una ruptura original. Y aplica otras contextualizaciones de contenido y guión relativas al formato y al género: la comedia y la sátira como hipérbole, elementos antropológicos ancestrales como el culto a los muertos, el fundamentalismo religioso, y que camufla su verdadero propósito, es decir, la lucha por el poder geoestratégico en un lugar endémico y lleno de superstición.

CORTES Y RUPTURAS A CONTRACORRIENTE SUBYACENTES EN LA TRAMA

Patrick O’ Flynn encabeza el posicionamiento en beneficio de la sensatez, en medio del caos apocalíptico, futurible y obvio, dadas las circunstancias anómalas e incognoscibles que estaban sucediéndose en Plum de modo progresivo. Por contra, y con total y absoluto antagonismo, su más acérrimo opositor, Seamus Muldoon, se ve cada vez más favorecido en su auténtica pero solopada lucha por el dominio y control de la isla y sus gentes; casi todos pertenecían a una u otra familia, por parentesco y después por afinidad ideológica. Lo que, de entrada, reafirma con virulencia la película, dentro de la trama principal, es el apoyo más exhacerbado y fanático hacia la religión y el sectarismo más reaccionario, conformando todo ello un sustrato cuyos elementos permanecen indisolublemente unidos entre sí: la fe ortodoxa, el mito y la leyenda, la querencia a los niños, a los que no hay que asesinar aunque estén infectados por consideraciones relativas a la pureza de los ángeles, las tradiciones y los usos y costumbres propias casi del feudalismo, con un régimen económico autárquico, de carácter semifeudal, con lo cual, la lucha por la producción limitada por el espacio geográfico y la pertenencia al grupo, legitiman muchas de las acciones, tanto de los personajes principales, como de los secundarios y corales. Si bien es verdad, que todo lo que permanece subterfugio, lo es de una forma planificada y metódica. Bajo esa máscara humanista, claramente perfilada, en la que rigen diferentes aspectos sobredeterminados, lo que subsiste pero es lo realmente determinante, representa objetivamente la visión que el capitalismo nos quiere ocultar y que recorre todo, tanto si estás en Nueva York, en la India, o en una isla remota de la costa norteamericana, como la presente. Nos encontramos ante el único criterio riguroso que mueve el mundo en la actual etapa de desarrollo pero que resulta ser el motor de la historia: la lucha de clases por acaparar el poder político y los excedentes de la producción, en este caso y muy específicamente, en la zona aislada de Plum, con todo lo que ello conlleva: aspiraciones a cargos, roles y prebendas por los servicios prestados, unido al temor más profundamente sistémico, el de preservar la supervivencia; muertes a tiro fijo entre los que aun están vivos por mostrarse unidos a la disidencia, usurpaciones agrarias a la otra familia perdedora, represalias ideológicas que necesitan ser justificadas a través de la religión y del culto sincrético. Solo que aquí se muestra el lado más macabro, de modo que la intención del patriarca oligarca, por llamarlo de alguna manera, utiliza un criterio nazi para mantener el poder. Lo hace a través de la ritualización funeraria post-mortem, en la forma en que se presenta en sus tierras, casi de sorpresa, aunque pronto dejará de ser coyuntural: los muertos seguirán, según ese criterio, siendo muertos venerados y continuarán por afinidad y recuerdos haciendo todo aquello que hicieron en su vida pasada. No serán asesinados de un tiro en la cabeza. Y así se les quiere mantener, junto a un entramado social y cultural cuyas prácticas manifiestas tienen carácter fascista; es como cuando Hitler pretendía unificar a las burguesías alemanas y ostentar la supremacía político militar a través de un nódulo central que servía como excusa: la supremacía de la raza aria.

No estoy diciendo que Romero hubiese analizado previamente esta disquisición y todas las premisas que yo mantengo de forma autónoma, por supuesto, que no necesariamente. Sin embargo, en la película -y en eso sí estoy de acuerdo con lo que expresan algunos críticos- caben varias interpretaciones. Lo que no debería ser para nada cuestionable es todo aquello relacionado con la materialidad de la propia ideología, porque todas sus manifestaciones, sirven no solo para reafirmar que el criterio ideológico es lo determinante en las sociedades humanas y en cualquier modo de producción, sino también para explicar por qué se recurre a determinadas ideas sociales colectivas que influyen directamente en un sistema de pensamiento y que, consecuentemente, inducen hacia determinados actos y acciones . Precisamente, y tal y como he señalado antes, las ideas vienen de la práctica social, están históricamente determinadas y tienen un sello o naturaleza de clase. Con ello quiero decir que importa y mucho quién dice o hace algo, cuándo y para qué. Esta tesis que defiendo constituye una ley objetiva, la práctica de los hechos lo corrobora y es manifiestamente preclara con independencia del modo en que se manifiesta tal formulación.

En la segunda secuencia, se nos presenta un matrimonio afín a los Muldoons, bastante fundamentalista, que prefiere mantener a sus hijos atados a sus cunas después de haberse infectado. Es palpable el lenguaje, no es un tema meramente simbólico, Romero lo hace tan explícito como oportuno pero es, a su vez, una vinculación con el nódulo central de la trama principal que acabo de exponer, y un ejemplo pragmático:

-¿Alguna noticia de la ciudad?

-No, me quedaré aquí, esperando.

-Esperando qué, ¿un milagro?

-Sabemos que ocurrirá. Si crees en lo que dice la biblia.

-¿Están encerrados arriba?

-Sí, están arriba.

-¿Y no se quejan?

-No he oído nada.

Al momento, irrumpe el grupo de Patrick O’ Flynn, que ya ha decidido exterminar a los zombis como medida de supervivencia, no sin antes, tener que combatir las viejas ideas que promueve su propia hija, defensora a ultranza de las tradiciones funerarias y de honrar a los muertos aunque anden erráticos. Es en esta escena subsiguiente donde debe oponerse a la moral establecida, caduca y llena de fanatismo. Incluso el propio anciano se ve comprometido a tener que decidir en el último momento; surgen dudas y temores, las mismas que tienen todos, en diferente grado. Finalmente y debido a la intervención inesperada de Seamus Muldoon, los niños quedan salvados a la espera de una cura aunque tengan que transcurrir cien años, según el DISCURSO del jefe terrateniente.

Los criterios de rechazo por parte de la crítica mayoritaria son dos, fundamentalmente, con los que yo no estaría conforme; y se fundamentan, en:

1.- El film está exento de la crítica social que Romero inbuye a todas las demás películas.

2.- La mezcla accidentada y nefasta del género de Western con el terror zombi.

Particularmente, no estoy de acuerdo, porque como ya he explicado, si se sabe analizar el contenido y el perfil dual y dialéctico de los personajes (todos lo presentan), comprenderemos más a fondo, que la crítica también puede existir implícitamente o sin manifestaciones unilaterales. En esta obra coexisten elementos y aspectos básicos en modo out, pero que se revalorizan con un estudio posterior, si ya poseemos un determinado punto de vista filosófico o una determinada posición ideológica, como nos ocurre a todos. La posición y el punto de vista se pueden transformar, aun a posteriori, si uno se abre a tal posibilidad. No es una mera conjetura por mi parte. Creo que algunos de vosotros, estoy segura, lo podréis comprobar.

Antes que nada, hay un previo que me gustaría analizar. Empieza como preámbulo de la película la muestra de un grupo de soldados dirigidos por el sargento Nicotine Crockett, de la Guardia Nacional. Son desertores del ejército (ya tenemos otra ruptura respecto del modelo de peliculas zombi y de la posición dominante), orientado a un cambio de posición antipatriótico, que se contrapone a la fidelidad hacia el entramado Pentágono y Fuerzas Armadas Norteamericanas, cuyo rol de Estado y oficialista pretende ser coincidente con las ideas mayoritariamente difundidas de proteger a la población civil. La primera escena sirve de aperitivo a la elaboración de una visión cáustica de las fuerzas del orden en medio de un más que probable Código Rojo. Además, está el refuerzo del invidualismo, propio de nuestros días, que hace que se dediquen al robo y a la rapiña y no duden en asesinar a uno de los suyos sin mayor dilación en el momento justo y adecuado para ello, y en función de quien lleva el mando en ese momento. Por lo demás, la cultura universal del instinto de supervivencia hace mella en muchas situaciones, no sin quedar exenta de la lucha por quién dirige o por cómo hay que actuar. Y ahí es donde los personajes se mueven entre el criterio rompedor de ni buenos ni malos, no todo es blanco o negro, los malos en apariencia tienen también sentimientos altruistas, puede haber amor romántico entre una pareja que inicialmente se repele sexualmente porque aflora la ternura, y porque la chica, denostada en un primer momento por el prejuicioso rol de mujer objeto que le asignan, salva la vida del muchacho provocador (machista solo de boquilla), y lo hace en varias ocasiones. Este es capaz de tirarse al mar para salvar la vida de todos y con el agravante de poder ser infectado, como así ocurre. Lejos de los típicos clichés y estereotipos, el convencionalismo aparente, etc, me gustaría también dedicar este párrafo al caricaturesco y manido personaje que tiene una hermano/a gemela. En este caso, se trata de las hijas de Patrick O’Flynn. Sin embargo, he de precisar que no es un tópico al uso y un recurso reiterativo para generar controversia o llamar la atención. Es precisamente la hija que se siente no favorita la que sobrevive a la otra por más tiempo. Aunque ambas mueren. Con la primera se intenta simbolizar la libertad, pues cabalga encima de un caballo en estado de zombificación. Seamos Muldoon nos hace creer en sus plenas convicciones de feligrés comprometido con la fe, aun exageradas al máximo y, es por ello, que lo más recurrente es hacerla dejar que cabalgue. Otros son carteros, obreros de la construcción, campesinos, zombis en ambivalencia. En un experimento que, aparentemente, quiere demostrar como objetivo a culminar, la obtención de una cura. La interpelación de éste ensayo consiste en manipular hasta la saciedad mostrando la verdadera naturaleza de Seamus Muldoon y su proyecto. Los zombies, antes lugareños, deberán ser capaces de comer carne de animal, y no a los humanos, como requisito para no ser liquidados. Precisamente, una de las gemelas, la favorita de O’Flynn, logra comer de su propio caballo siendo zombi, pero será tras haber mordido a su propia hermana, a la par que ésta le muestra su amor fraternal, a tenor de sus creencias en la bondad de todo ser humano y en el más allá. Su propio padre le hará descubrir antes de llegar a ese punto, que en realidad la prefería a ella más que a la otra. Las contradicciones y paradojas secundan la dualidad de contrarios y la enseñanza general del materialismo dialéctico, siendo una ley, la de que todas las cosas se escinden en dos. No hay nada absoluto. A veces, mostrar como aspectos determinantes el idealismo y la metafísica, sirve doblemente al fin de comprender lo contrario, y ser capaces de realizar análisis a contracorriente, que se equidistan con las normas y los roles preestablecidos.

El sargento Nicotine Crockett es capaz, en un contexto determinado, de asesinar a un compañero apoyándose en la autoridad, y en otros momentos sucesivos de la película, proteger al anciano O’Flyn, incluso sentir un enorme afecto por él.

El joven que aparece de improviso en el bosque y se une al grupo de la resistencia, demuestra ser más inteligente que el propio sargento al mando, más perspicaz y dirigente eficaz, si bien, entre bambalinas, se podría decir. En contra de la opinión de Nicotine Crockett y ganándose el apoyo incondicional de un militar subalterno, mano derecha, consigue dirigir al grupo en dirección a Plum Island, tras ver un vídeo de Patrick O’Flynn en internet reclamando la bienvenida de cualquier superviviente.

Otro punto importante a resaltar: salvo esporádicas incidencias coyunturales, la masacre más grande solo se produce al final del metraje. Con lo cual, esta película ya de por sí da pie a un análisis más exhaustivo, como yo he hecho. Las apariencias engañan, por esquematizarlo al máximo.

Reseña de la película Orlando, de Sally Potter (1992).

FICHA TÉCNICA

Director: Sally Potter

País: Reino Unido

Año: 1992

Reparto: Tilda Swinton, Billy Zane, Lothaire Bluteau, Quentin Crisp, John Wood, Charlotte Valandrey

Género: Drama

RESEÑA

SINOPSIS

Orlando es hijo de cortesano y ahijado de la Reina de Inglaterra en un primer momento. Durante 400 años irá recorriendo diversas etapas de evolución psicológica y sensitiva en las que vivirá aventuras, circunstancias y problemáticas de diversa índole adaptadas al contexto histórico en el que éstas se suceden. La característica principal del personaje es su ambiguedad sexual; figura de aspecto andrógino, refinada, sensible y muy culta, pasará con el tiempo de ser un hombre a convertirse en mujer.

LA PELÍCULA ES PRACTICAMENTE UNA OBRA MAESTRA DE CULTO

Cinta controvertida en el momento de su estreno y proyección en los cines por su temática y las cuestiones formales relativas al tratamiento de algunos aspectos: ritmo, escenificación, ambientación estructurada en períodos transicionales y cronológicos, formato teatralizado, cada momento histórico o etapa se funde uno con otro sucesivamente de modo muy alegórico, en realidad la película es una alegoría en sí misma, llena de simbología personalista e introspectiva con connotaciones poéticas. Alcanza momentos álgidos, grandiosos, proyectando sentimientos ambivalentes y contradicctorios reflejados en la psicología y las emociones del personaje central, el hombre/mujer Orlando que no llegan a aclararse totalmente. Es una película misticista que requiere de un esfuerzo para traducir su propio lenguaje cinematográfico, poco común, pues desde la dirección y el guión, que adapta una novela de la gran autora Virginia Wolf, se nos retrata una historia llena de subtramas que rodean y circundan el mensaje principal la mayor parte de veces de manera sugerida, no explícita. Por tanto, abundan los planos interiores y primeros planos, existen pocos exteriores, las secuencias tienen una fotografía oscura, aunque lejos de ser lúgubre, más bien es relajante, justificando a la misma historia y complementando la acción y los diálogos, exquisitos y excelentemente cuidados. Se puede considerar el significado nodular que contiene el film como el de la búsqueda identitaria que no es más que un canto a la libertad sin imposiciones de ningún tipo. Las etapas transicionales están enormemente bien establecidas y al final de la película se explican un poco en el plano de la realidad (pleitos por las propiedades de una persona fallecida y que ha pasado de un sexo a otro, la proposición de un lord ayudante de cámara de Orlando para que se case con él pues es conocedor de su secreto…).

Mantiene una fidelidad dentro de los límites que se contraponen a las adaptaciones cinematográficas de las novelas o las obras literarias bastante rigurosa, para quien no haya leído el libro puede resultar difícil de entender, por lo que yo creo que puede haber más de una lectura atendiendo al nivel de interpretación o captación de su sentido. Para quien haya leído el libro, mantengo que es una versión en otro formato bastante digna. Visto de conjunto, una obra magistral, desde mi punto de vista, que embellece los sentidos y vislumbra visualmente pero también capta la atención por sus elementos más accesorios, que se colocan al mismo nivel que el visual. El sonido es impecable, los gestos, los ademanes culteranistas de la época, sobre todo, la victoriana, cómo retrata a la realeza y a la aristocracia incluso aplicando elegantes rictus de crítica social o ridiculizando a personajes coral espontáneos que aparecen en algunos momentos divertidos. Es a su vez, un alegato contra la guerra en uno de sus capítulos titulado Políticos, una descripción de la dualidad del amor, en el segundo capítulo, Amor, una denuncia contra el machismo y la misoginia coetánea del siglo de las luces, cuando Orlando flirtea con la sociedad costumbrista todavía estamental cortesana y entiende que aun cercano el XIX, ella, que ya es mujer, pervive en un mundo hermético y puritano, de doble moral. Nada más empezar la película, el primer capítulo llamado Muerte nos enlaza directamente con el sentimiento de duelo y de pérdida, con el afán de salir de la soledad no apreciada, un llamamiento a la compañía y a la amistad, pues la Reina muere poco después de elegir al Orlando muchacho como su hijo favorito, tras haberlo adoptado.

Concluyendo, una obra cinematográfica de culto, impropia de la industria convencional y comercial. Es difícil encontrar joyas como ésta y frecuente que suelan pasar desapercibidas éstas mismas por el gran público, si bien, en esta ocasión su proyección no pasó del todo inadvertida para las salas de cine no independiente o de VOS (Versión Original Subtitulada). Es una película atrayente y revolucionaria cinematográficamente hablando, la historia es una trama de naturaleza feminista ciertamente.

Un detalle: al principio y al final hay un cameo del cantante de The Communars, Jimmy Sommerville, que interpreta a una especie de ángel que representa el encuentro con la libertad que Orlando tanto ansiaba.

La interpretación de Tilda Swinton es de matrícula de honor, espléndida, borda el papel, no podía haberse encontrado otr@ Orlando más idóneo y capacitado desde el punto de vista interpretativo. Por su parte, los secundarios son todos ellos correctísimos. Me atrevo a decir que el trabajo actoral es perfecto, realista, resalto su credibilidad en todo momento, nada que objetar a ningún actor, todo lo contrario.

El ritmo y la cadencia de la cámara es pausado y los primeros planos de nuestro o nuestra protagonista ayudan a entender la simbología. Cada expresión facial del personaje de Orlando está meticulosamente estudiado al detalle y asumido como propio. Se permite mirar en algunos ratos a la cámara y hacernos pequeños guiños al espectador, como si estuviese revelándonos sus más íntimos pensamientos en petit comité. Queda precioso e inteligentemente perspicaz ese detalle, es un acercamiento cómplice. Nos está diciendo a su manera: quiéreme o compréndeme.

Transcribo las últimas frases de la película, una declaración de intenciones final que esconde una lírica tremendamente estilística:

Me acerco, me acerco… sobrevivo. Me acerco por una parte de tí. En este momento de unidad siento un éxtasis… Estoy aquí, estoy ahora… por fin soy libre. Aquí estoy. Ni mujer ni hombre. Estamos unidos, somos uno. Con una cara humana. Estamos unidos, somos uno, con una cara humana. Estoy en la tierra y estoy en el espacio exterior. Estoy naciendo y estoy muriendo. Estoy en la tierra y estoy en el espacio exterior. Estoy naciendo y estoy muriendo.

NOTA: 10/10

Reseña cinematográfica: Aquella casa al lado del cementerio

¡¡No podrás dormir si la ves!!

FICHA TECNICA:

GENERO: Terror Gore

PAIS: Italia

DURACION: 84 minutos

AÑO: 1981

DIRECTOR: Lucio Fulcii

GUION: Lucio Fulcii, Giorgio Mariuzzo, Dardano Sacchetti

MUSICA: Walter Rizatti

FOTOGRAFIA: Sergio Salvatti

REPARTO:
Paolo MalcoCatriona MacCollGiovanni FrezzaGiovanni De Nava,Dagmar LassanderAnia PieroniCarlo De MejoSilvia Collatina

PRODUCTORA: Fluvia Film

Antes de entrar en el análisis de esta película desconocida para muchos pues se distribuyo por algunos lugares de Europa y en Italia, quiero precisar y dejar claro, que Aquella Casa al lado del cementerio, mucho más allá de englobarla homogéneamente dentro del gore, los prolegómenos caracteríscos de las casas encantadas, fenómenos paranormales, apariciones de fantasmas, etc, es UNA PELICULA DE CULTO.

Esto es, una cinta que de por sí es propia e intríseca en sí misma, que por razones obvias pero originales es distópica, a la vez que singular, una película a la que se le profesa una especial admiración por un sector o grupo de cinéfilos acostumbrados a admirar el transfondo traspasando la barrera de los tópicos y los estereotipos. Porque esta película con independencia de sus fallos argumentales y el guión, pues los tiene, relativos a su coherencia orgánica e hilo secuencial (hay fotogramas y escenas cuya lógica natural a la hora de explicar la trama y ciertas subtramas, el comportamiento de algún personaje como el de Anne, por ejemplo, es inconexa y arbitraria, si bien, no le quita nada de sabor y confluencia con elementos extraordinariamente magistrales que, de conjunto, se dan por hechos o aludidos y la hacen entretenida y aceptada.

Se complementa y engloba con determinadas películas ignoradas en su estreno pero que con el tiempo son revisualizadas y convertidas en joyas del cine en su género o subgénero, consecuentemente reivindicadas por crítica y/o público.

Un resumen muy corto de la película en español. Duración – 3;19

La pelicula en este vídeo no está completa. Solo hay 60 minutos de film. Faltan principio y final


Como voy a introducir algún spoiler, se podrá entender de conjunto y también por qué acaba como acaba. Aconsejo mirar los videos antes, preferiblemente, asi se comprenderá mejor su sentido y significado y algunos recursos técnicos.

SINOPSIS

El protagonista principal exequo con su mujer, es Norman Boyle, un reputado científico academicista de Nueva York a quien le encargan una investigación un tanto macabra, de inicio, puesto que aun desconocemos su alcance y repercusión. Por lo que deberá trasladarse con su esposa e hijo a una vieja mansión de Nueva Inglaterra. El sentido de su investigación es también personal, pretende estudiar por qué se suicidó un colega de profesión, el doctor Peterson, quien trató de descubrir qué ocurrió con su antiguo dueño, el dr. Freudstein. Este terminó por descuartizar a su amante ahorcándose después. Misteriosamente, Norman encuentra una cinta grabada por Peterson donde intuye qué está sucediendo en realidad después de haber ligado varios aspectos nodulares, tras sus pesquisas iniciales.

ELEMENTOS INCONEXOS:

Lucy, la mujer de Norman Boyle, saluda a la empleada comercial de la inmobiliaria que les alquila la mansión cuando pasa de lejos juntos a ambos. Es entonces cuando su marido le pregunta: ¿quién es? Y ella responde: la señora Peterson, me alegro de verla. Y él termina por responder: Te habrás equivocado. Termina la secuencia.

En la inmobiliria, el principal cargo o el jefe de la misma, le pregunta si ya ha estado alli anteriormente, a lo que Norman responde que no sin darle demasiada importancia. También se lo preguntará posteriormente la comercial, respondiendo un tanto incoherentemente, sin comprender, o dudando: No… si… Y queda ahí la cosa.

El personaje de la niñera es bastante ambiguo y misterioso. La ve la niña fallecida, víctima de Freudstein del principio de la película como un maniquí al que se le desprende la cabeza; y la niña se hace amiga de Bob, el niño, hijo de los padres protagonistas. Durante una conversación con Lucy la niñera omite responder si tiene familia y dónde vive. Desde el principio hasta que es asesinada su comportamiento es extraño y sugestivo, la cámara enfoca de ella, sobre todo, primeros planos, fundamentalmente los ojos, siempre que Norman está delante. Parece que exista una afinidad, cierta complicidad aparente entre ambos que no se aclara nunca. Pero estos elementos son los que redefinen la película y la hacen más interesante si cabe. Son propios y recurrentes dentro de la filmografía de Lucio Fulci, esas pequeñas desconexiones con el hilo conductor del guión o gazapos que en realidad considero que no lo son, sino que están perfectamente estudiados por el director para crear efectos surrealistas, transformando la tranquilidad del día en un escenario igualmente sórdido.

ANALISIS GENERAL

Película que entronca con la fascinante magnificencia del terror literario de Lovecraft, la leyenda y el mito, también de Poe, cuando en la pelicula se introduce al murciélago atacante y los aullidos de los lobos y ese tipo de personificaciones del mal, pero esta cinta no tiene mucho que ver con las leyendas del romanticismo de Becquer o el surrealismo incipiente romántico de Lord Byron o Mary. W. Sheller, autora de Frankestein, va mucho más allá. Algunas escenas son dantescas, con mucha sangre y viveza realista, carne purulenta y enorme explicidad. Cuando se contemplan las cuchilladas, y se ve cómo se utilizan hachas y un palo con punta muy afilada en otras escenas de asesinatos, te das cuenta de que no es tampoco un gore artificioso e injustificado. Todo ello adornado por un clímax cerrado, putrefacto (los personajes denuncian en varias ocasiones que la casa huele a muerte), claustrofóbico, porque excepto el crimen contra la comercial de la inmobiliaria, todos se gestan dentro del sótano que permanecía cerrado y decide abrir al principio de la película Norman Boyle para que su esposa se relajara, desatando la furia y liberando a la bestia.

El ritmo es vertiginoso, por lo general, con pocos minutos de metraje de descanso respecto de los sustos que se llevan todos. No hay ningún personaje que se salve, salvo los espectros ya fallecidos, la supuesta mujer de Freudstein y la que se nos indica de pasada que pudiera ser su hija, o su protegida, la amiga de Bob. Bob conecta con los dos planos de existencia, el del más allá y el de la realidad fisica. Pero solo es capaz de ver a la niña. La niña y su supuesta protectora, el otro espectro, lo ven todo desde la distancia. El espectro de la mujer, es neutro, con una caracteriología de defensa de su territorio. La niña fantasma es de naturaleza bondadosa, siempre advirtiendo que no entre nadie, sea quien sea.

El film forma parte de la trilogia «Las puertas del infierno». Pertenece a ella también «Miedo en la Ciudad de Los Muertos Vivientes», una escabrosa colección de películas de tipo sobrenatural donde actúa el fenómeno terror lovecraftiano mimetizado con el horror de los zombies. El epílogo de esta serie lo constituiría «Aquella Casa al lado del cementerio». Se estrenó pocos meses después de «El más allá», considerada por muchos críticos, su mejor película.

Del desorden y el caos argumental vienen estos lodos, parafraseando a la famosa cita. Porque el resto es tan tétrico como PERFECTO. La música es tan propicia e inductora que actúa de nexo de unión con el horror de los crímenes, con melodía transformadora en función de cada fotograma y secuencias. Realmente terrorífica «per se»

Ya lo dice Petersen en su cinta: esta casa me asusta y me atrae. Adelante, adelante y luego un sonido ambiente de mala respiración… algo concluyente para Norman: el doctor Freudstein realizó experimentos humanos más allá de las fronteras de la muerte. Nos encontramos cara a cara con su espíritu decrépito y deforme, un monstruo del inframundo que vuelve cada vez que tiene oportunidad y nuevos inquilinos, puesto que se nutre de ellos para mantenerse. Parece una frikada que tal familia no haya huido por patas a las primeras de cambio, pero a pesar de las incongruencias notables e ilógicas, a medida que va transcurriendo el desenlace quedan ampliamente justificadas. Una inmobiliaria que solo quiere hacer negocio, asesinatos horripilantes por doquier, al final no encuentran otra que quedarse, pues la comercial aparece muerta y parece ser que Norman quiere llegar al final, mucha profesionalidad la del científico, poniendo por delante su talante y talento académico y su curiosidad frente a la seguridad y la salvación. La casa encierra, la mansión victoriana no te deja irte, es como un imán, todo se justifica, una vez dentro del sótano la familia al completo, ya no hay vuelta atrás posible. Han llegado demasiado lejos. Esa es la sensación motivacional y sensitiva. Y el espectador está de acuerdo en todo momento. Esto es así. Ocurre fenomenológicamente en todas las películas de este director que sí sabe muy bien lo que hace desde el punto de vista cinematográfico a todos los niveles.

El final, cotrovertido que abandona muchos hilos abiertos, no deja de ser funcional y efectista: niño rodeado de muertos, en sótano del horror, incluyendo a sus propios padres y que acaba formando parte de la famlia de espectros. La frase del final en of: «Nunca se sabra si los monstruos son niños o si los niños son monstruos», da que pensar, ciertamente y precisamente ahí radica la influencia del director a la hora de recurrir a la imaginación del espectador y a la combinatoria: no todo resulta ser explícito, a pesar de la sangre es una película bastante teatralizada, sugestiva en las expresiones y las visualizaciones de los objetos y el paraje lleno de tumbas inexplicables cercanas a las casas. A pesar de que algunos personajes como Boyle sean tan inexpresivos, o poco cariacontecidos y el niño se desenvuelva tan bien, tan inocente y caprichosamente. El niño es el culmen y forma parte del mensaje, un superviviente que debe proseguir su existencia en otro plano dimensional sin sufrir en propias carnes más que lo justo. ¿Es esta la única forma de redimirse en aquel lugar, yéndose con fantasmas? Por eso el niño puede ser lo más equidistante a Freudstein, solo que obligado por esa condición. Solo un monstruo acepta esa circunstancia. Un niño que se asemeja a lo monstruoso de vagar como un muerto viviente. Magistral película.

9’5 de 10 – TERROR ATIPICO Y EXTRAÑO. EL GORE LLEVA AL MISTERIO. CURIOSO, ¿NO? ME HA FALTADO ESE MEDIO PUNTO, NO SE POR QUE.